O artista, em colaboração com o produtor Noturno84, criou uma faixa que é tanto um desabafo quanto uma meditação poética sobre a condição humana, expondo, sem floreios, os sentimentos mais sombrios e complexos que carregamos. A produção, acompanhada por um videoclipe dirigido por Pedro Godoy, traduz visualmente o peso emocional e a sinceridade bruta da letra, transformando a faixa em uma vivência que transcende a música.

Em entrevista, Souzera revelou as motivações e o processo por trás de “Traumas e Medos”. Para ele, a angústia abordada na faixa é um reflexo das lutas diárias, tanto externas quanto internas, com um cansaço mental que transcende o físico e reverbera a frustração de sentir que, apesar dos sonhos, os dias parecem repetir-se em um ciclo de expectativas e decepções. Ele descreve sua jornada de composição como um processo de liberação, onde expressar esses sentimentos é a única saída para evitar a “explosão” emocional. “Todos temos angústia. A vida é angustiante”, declara, em uma frase que captura o cerne de sua mensagem.

Ao descrever a frase “A existência é átomo, inútil como o ácido que faz cócegas na minha lisergia,” ele elabora sobre o insignificante papel humano no vasto universo, onde existimos como “apenas uma pequena presença”, quase irrelevante. Essa reflexão ecoa no videoclipe, onde cada cena parece imbuída de uma melancolia atemporal.

A colaboração com Noturno84, produtor com quem Souzera já lançou quatro faixas, foi outro pilar essencial para “Traumas e Medos”. Embora o beat não tenha sido feito especificamente para a música, o artista encontrou nele a atmosfera ideal para o que desejava transmitir, levando o público para o estado emocional que ele almejava compartilhar. Essa conexão musical e emocional com Noturno e o entrosamento visual com Pedro Godoy (em seu terceiro trabalho juntos) criam uma harmonia artística que destaca a intimidade, autenticidade e a intensidade do trabalho.

Souzera reflete ainda sobre o impacto da perda e do luto em seu trabalho, enfatizando que esses temas são extraídos de experiências pessoais dolorosas, mas necessárias. Em “Traumas e Medos,” ele não apenas compartilha seu luto, mas propõe que é essencial abordar temas que nem sempre são “mil maravilhas,” mas sendo real com seus momentos e sentimentos é o que trás a autenticidade e maturidade para sua arte, sem precisar maquiar sua verdadeira face.

“Traumas e Medos” é uma obra que fala a todos que já enfrentaram dias difíceis, aqueles que sentem a vida como uma luta constante. Com sua entrega emocional e sua capacidade de traduzir sentimentos complexos em palavras, Souzera cria uma conexão genuína e intensa com o público, mostrando que, o Rap é casa para a sinceridade mais profunda.

Em “Traumas e Medos”, você explora a rotina de angústia e cansaço. De onde veio a inspiração para essa abordagem e o que queria transmitir ao público?

“Quando eu falo de angústia, esbarra na tecla de se expressar, eu como artista, rapper. Às vezes ficamos entalados com sentimentos e não nos expressamos, não colocamos pra fora. Então, a angústia nesse caso seria essa. Tem também a angústia de querermos buscar as coisas e parecer que não estão acontecendo, ou que não vão acontecer. A angústia de sonhar e parecer que estamos sempre no mesmo lugar, no mesmo ócio. E o cansaço não necessariamente seria o cansaço físico, mas o cansaço mental, que às vezes até essa angústia traz. O que quero transmitir para o público é que todos temos angústia. A vida é uma angústia, viver é angustiante. A gente é totalmente influenciado pelo que acontece ao nosso redor e isso cria angústia, e precisamos nos expor, nos expressar, porque, se não, acabamos explodindo.”

As linhas de “Traumas e Medos” são incrivelmente viscerais. Como é o seu processo de composição para uma música tão intensa? Há alguma técnica ou ritual específico que você segue?

“Antes eu me deixava levar muito pela inspiração, esperava a inspiração bater pra começar a escrever. Hoje, eu levo a composição como prática, sem ficar refém da inspiração. Porém, nessa música, eu realmente senti que estava inspirado e não deixei passar esse momento. Aproveitei ele para poder extrair ao máximo o que eu estava sentindo.”

Você menciona que, “A existência é átomo, inútil como o ácido que faz cócegas na minha lisergia.” Pode explicar o simbolismo por trás dessa frase?

“Realmente, nossa existência é átomo perante o universo, a dimensão dele. Apenas fazemos cócegas perante a dimensão do universo. Assim como o ácido faz cócegas na minha lisergia, é apenas cócega, nada mais que isso.”

O videoclipe, dirigido por Pedro Godoy, transmite visualmente o peso emocional da música. Como foi trabalhar com ele e qual é a mensagem visual que vocês queriam passar?

“Esse é o terceiro trabalho nosso, já estamos com o quarto encaminhado. Temos um entrosamento, uma sinergia, todas as ideias que eu e ele tivemos conseguimos unir de forma harmoniosa e extrair o melhor, conseguindo colocar em prática visual o que a prática mental e criativa da música gerou.”

Em algum momento da letra, você menciona a perda e o luto. Esse tema vem de experiências pessoais? Como ele impacta o seu trabalho artístico?

“Vem de experiências pessoais. Nesse trabalho em específico, impactou de uma maneira que, na hora que eu estava escrevendo, houve um desabafo. Essa é a palavra: desabafo, um pouco de raiva, ódio, angústia. Nesse trabalho, esse tema impactou dessa forma. Não adianta achar que tudo é mil maravilhas, esses assuntos também precisam ser abordados.”

A produção de Noturno84 foi fundamental para a sonoridade de “Traumas e Medos”. Como foi a colaboração com ele e o que você acredita que ele trouxe para a faixa?

“É uma honra, mais uma vez, rimar em uma produção dele. Essa é a quarta música que lanço em parceria com esse produtor que tanto admiro. Esse beat, em específico, não foi feito sob medida para esse som. Era um beat do catálogo dele e, quando eu fui ouvir o que tinha lá, vi que esse era o que faltava para o rap se materializar. Conseguiu trazer a atmosfera que eu buscava, para o que eu imaginava e pretendia passar. Caiu como uma luva.”

Quais são seus próximos passos após o lançamento de “Traumas e Medos”? Pretende seguir explorando esses temas ou busca uma nova direção para sua música?

“A ideia é, para 2025, lançar sons que já estão engatilhados. São sons diferentes no flow, nas ideias, no estilo do beat. Sons diferentes, mas que seguem a mesma proposta de enquanto eu como artista. E a ideia de soltar esses sons em 2025 é abrir o terreno para lançar meu EP em 2026 ou 2027. A ideia é chegar com trabalhos mais maduros, para preparar o terreno para um EP maduro.”

O Bota Pra Torar

“Bota Pra Torar” é uma faixa explosiva que une ritmo intenso e lirismo afiado, trazendo uma narrativa cheia de personalidade e referências culturais brasileiras. Desde a primeira linha, o som projeta uma atmosfera densa e visceral, com “fumaça densa” e um ritmo pulsante que impulsiona a música. A letra transporta o ouvinte para o universo de Jonas, onde ele incorpora imagens como a do “boi da cara preta” e figuras do folclore brasileiro como o Boitatá, além de elementos contemporâneos como referências a Hogwarts e Anitta. Tudo isso constrói um ambiente vívido e dinâmico.

A estrutura rítmica, marcada pelo refrão “bota pra torar, bota pra ferver,” intensifica a vibe festiva da música. As batidas remetem a uma balada energética, mas a letra vai além da simples festa: versos que contém fragmentos de “pérolas de sabedoria popular,” como o próprio Jonas descreve. Ele tece sua narrativa com um vocabulário que ora soa jocoso e irônico, ora reflexivo, e essa combinação transforma o som em algo que entretém e engaja, convidando o ouvinte a revisitar e descobrir novas camadas a cada audição.

Jonas conseguiu capturar a essência de um som para “curtir pelo ritmo” enquanto dá ao ouvinte uma experiência lírica rica. Há um senso de humor e um toque provocativo na forma como ele se compara a figuras fortes e bem-sucedidas, como um “Samurai Jack da pinga” e um “empresário de sucesso como Anitta.” Esse contraste entre a linguagem popular e as referências mais inusitadas é o que confere à faixa uma autenticidade envolvente.

Para a leitura audiovisual, Jonas mais uma vez convocou @shotbybzk, que já compreende profundamente seu conceito artístico e traduz essa visão com precisão nas telas.

Antonio André: O Produtor por Trás do Som

A conexão de Jonas com o produtor Antonio André é essencial para dar vida ao universo sonoro não apenas de “Bota pra Torar”, como de todo o EP “Flamboiã“. Jonas descreve Antonio como seu “tradutor sonoro”, alguém que consegue materializar as complexas ideias musicais que o rapper traz para o estúdio. “Eu falo em metáforas, e ele transforma em música,” explica Jonas, referindo-se ao produtor como seu parceiro de criação. Essa parceria resulta em faixas que transitam entre a introspecção e a explosão rítmica, misturando o peso das batidas com texturas sofisticadas.

Em “Bota Pra Torar”, essa fusão é evidente. A faixa oscila entre momentos de puro groove e versos densos, que convidam o ouvinte a refletir enquanto se entrega ao ritmo. Jonas e Antonio conseguem, juntos, criar uma obra sonora que é tanto visceral quanto cerebral, equilibrando a urgência das batidas com letras que são pura poesia urbana.

A Arte Visual: Aquarelas de Efe Godoy

A capa do single e também do EP, assinada pela artista Efe Godoy, complementa a proposta de Flamboiã de maneira magistral. Com a técnica da aquarela, Efe criou uma imagem que une o orgânico e o abstrato, dialogando com a essência musical de Jonas. “Escolhi a Efe porque sua arte carrega o mesmo sincretismo que trago na minha música: é brasileira, mas absorve o mundo,” comenta Jonas. A imagem é uma metáfora visual para a fusão entre natureza e cultura, entre raízes e modernidade, refletindo os sons em um nível visual que amplifica a experiência do ouvinte.

Palavra e Ritmo: A Busca de Jonas por um Vocabulário Inédito

Jonas é mais do que um rapper; ele é um poeta obcecado pela língua portuguesa. Sua missão é clara: “zerar” o idioma, explorando cada palavra até o limite, numa tentativa de criar algo único e profundo. “Quando uso uma palavra, ela deixa de existir para novas composições,” revela o artista. Cada escolha é minuciosa, cada termo carrega significados ocultos, e seu objetivo é expressar o que ainda não foi dito, com uma brasilidade que só quem vive a cultura das ruas pode traduzir.

Essa paixão pela língua se reflete em Bota Pra Torar, onde o jogo de palavras vai além do ritmo e da rima, atingindo camadas de significado que só se revelam a quem se permite mergulhar na música. “Minha escrita é a nossa voz, é a língua que ouvi nos becos de BH e nas conversas familiares. Ela fala o que é ser brasileiro,” diz Jonas, destacando que seu trabalho é uma celebração da fala popular, das gírias, das expressões que ele ouviu desde a infância.

O Bota Pra Torar

Para Jonas, ser artista é promover a cultura nacional, e ele faz isso absorvendo o novo, mas com um pé firme nas tradições brasileiras. “A música precisa captar influências externas, mas sempre honrando nossa essência,” afirma ele. Jonas acredita que nesse caso o sincretismo chega como um processo enriquecedor, e não predatório, reforçando a identidade brasileira em cada rima e cada batida.

Comédia e Tragédia em Equilíbrio

O artista acredita que uma boa música de Rap deve equilibrar a diversão com a reflexão. “A música pode ser dançante e profunda ao mesmo tempo. Eu quero que as pessoas curtam o som, mas que também encontrem algo que as faça pensar,” explica ele. Bota Pra Torar é a essência dessa filosofia: uma faixa para dançar, mas também para escutar com atenção, um convite à diversão que guarda surpresas e mensagens.

Os galhos de uma Flamboiã que em breve vai florir

O título Flamboiã simboliza perfeitamente sua música: a árvore originária de Madagascar, que se enraizou no Brasil a ponto de fazer parte de nossas paisagens e do nosso imaginário, representa a mistura entre o estrangeiro e o brasileiro. “Minha música é como o Flamboiã: uma fusão que absorve influências de fora, mas com raízes profundas na cultura nacional. Ela se nutre de elementos globais, mas é intrinsecamente brasileira,” comenta Jonas. Esse conceito é sentido em cada faixa do EP, que transita entre o tradicional e o inovador, trazendo ao Rap uma nova camada de sofisticação e que em Bota Pra Torar deu pra sentir o gosto do que vem por ai.

Altivo Felipe é o nome do compositor, arranjador, produtor e guitarrista nascido no Rio de Janeiro e criado no interior de São Paulo que já conta com uma trajetória de anos no meio musical, com participações em bandas diversas e responsável pelo desenvolvimento de muitos trabalhos com parceiros que o artista fez ao longo da sua caminhada.

Agora, em 2024, Altivo Felipe chega com o lançamento do seu novo EP “Tempestade”. Mas antes de falar deste trabalho especificamente, vamos nos aprofundar um pouco na trajetória do artista, para aqueles que ainda não conhecem a caminhada de Altivo Felipe, nas palavras do próprio artista.

“Nasci no Rio de Janeiro e, desde cedo, já ficava fascinado com as rodas de samba de lá. Mas não era só samba, me encantava pela diversidade sonora. Me mudei, fui criado no interior de São Paulo, mas a música nunca deixou de ser parte da minha vida. Comecei a aprender violão autodidaticamente aos 16 anos e depois disso nunca mais parei com a música. Logo que comecei a tocar, comecei a compor. Foi um caminho sem volta.

Tive algumas bandas, tocando sons cover, a mais longeva foi uma banda chamada SEO CHICO, que comecei quando ainda estava na faculdade, em Botucatu, durou 13 anos. Fiz muitos parceiros musicais em Botucatu, incluindo Peter Moreira e Fernanda Ribeiro, que foram essenciais para o estabelecimento desse processo. Também toquei na banda Risoflora em Sorocaba, em 2012. Depois disso, a vontade de mostrar os sons que eu compunha foi crescendo. Participei de alguns festivais como compositor e músico.

Durante a pandemia, a vontade de compor e produzir aumentou, como escape para aquele momento difícil. Através da reunião entre amigos, o universo me proporcionou fazer parte da banda Macumba Groove, que lançou os sons “Rebeldia e Amor” e “Guerreiro”. Participei também como compositor, arranjador, produtor e guitarrista no trabalho “Espero Que Você” da cantora Nath Dias e “Leão de Judá”, do Dodöman. E em 2022, lancei o EP “Fé, Sangue e Luta”, totalmente feito em casa, com a participação dos parceiros Dabliueme, Daniel Akata e Dodöman” – Altivo Felipe

Após essa longa trajetória, Altivo Felipe lança agora o EP “Tempestade”, que mais do que um lançamento musical, é um trabalho que mostra bastante do conhecimento pessoal e artístico de Altivo Felipe sobre a música Reggae, demonstrando ao longo das quatro faixas um pouco sobre a sua relação íntima com o gênero musical e as suas referências dentro da sonoridade do Reggae.

“O Reggae foi o caminho para passar a mensagem. Sempre gostei de muitas vertentes diferentes, mas nesse trabalho estava muito influenciado pelos mestres, Bob Marley, Barrinton Leavy, Burning Spears, Sister Nancy, Hugh Mundell, Groundation, Steel Pulse, Protoge, Damian Marley, Natiruts e Cidade Negra” – Altivo Felipe

Em “Tempestade”, a composição lírica de Altivo Felipe chama muito a atenção ao longo das 4 faixas, que apresentam muito bem o seu belo trabalho de escrita, combinando letras combativas, com importantes mensagens e versos cheios de sentimento que destacam a identidade da sua escrita.

“Gosto muito de ler, e também observo muito o ambiente ao meu redor. Comecei a compor muito cedo, logo que comecei a tocar. Sinto que essas músicas vieram como resposta ao que vivi e senti morando em São Paulo. São Paulo é selva, mas é som também. Minha saudade do mato, minha vontade de ser melhor. Fala muito também sobre um processo interno de transformação, de superação e reconhecimento de onde estou situado fisicamente, espiritualmente e musicalmente” – Altivo Felipe

“Me levanto e sigo avesso

Enfrentar a tirania não tem preço

Convoco a força de lampião

Que os olhos da inveja nunca me deixem no chão

Convoco a força do Rei Zumbi

Luto contra a opressão”

Felipe Altivo – Zumbi Rei

Outro ponto que chama muita atenção no lançamento é a entrega vocal e interpretação diversificada de Altivo Felipe, que é uma característica forte da música Reggae, marcada mundialmente por vocais únicos e que o artista soube desenvolver muito bem aqui, criando uma sonoridade bem própria e marcante para o seu EP.

“Nunca quis ser cantor, sempre fui guitarrista, mas sempre compus também. Com o tempo fui sentindo a necessidade de cantar minhas próprias composições, para expressar o que estava sentindo. Continuo aprendendo onde melhor encaixar minha voz e o melhor jeito de passar a mensagem. Realmente busco a autenticidade” – Altivo Felipe

Talvez o ponto que mais me chamou a atenção no EP “Tempestade” foi a excelente produção das faixas, que combinam uma diversidade de instrumentos, muito bem trabalhados, destacando a ótima presença das guitarras que resultam em uma produção musical que cria camadas sonoras complexas aprofundando o ouvinte no potencial musical existente na música Reggae.

“As composições vieram primeiro. Fui compondo e aprendendo a gravar as guias. Passei um tempo testando timbres e formatos. As ideias foram amadurecendo, sempre com o intuito de atingir os corações que vibram na mesma sintonia. Gravei as ideias aqui em casa mesmo, mas depois contei com a ajuda de grandes parceiros, que botaram fé no meu trabalho” – Altivo Felipe

Um grande trabalho como esse EP contou com o envolvimento de outros nomes e grandes artistas, como podemos perceber nos vocais e nos instrumentos apresentados nas faixas. Para tornar possível esse belo desenvolvimento de “Tempestade”, Felipe contou com a parceria de nomes como Jennifer Sousa (Backing vocal e arranjos vocais), Vinicius Sampaio (Guitarras, baixo, teclados, arranjos e produção) e Leandro Lopes da Silva (Baterias, produção, Mixagem e Masterização).

O EP “Tempestade” já está disponível nas principais plataformas digitais.

“O tempo sempre vai nos empurrar”

Para Mejê, o tempo é um elemento crucial em sua jornada. Ele reconhece que, por vezes, tentou controlar seu destino de maneira excessiva, o que acabou criando barreiras em sua trajetória. “Acredito que a gente muitas vezes tenta controlar nossa trajetória e acaba travando certos fluxos. O tempo sempre vai nos empurrar pra um lado específico e lutar contra a força dele é inútil”, reflete o artista. “A partir do momento que eu parei de controlar meu destino e passei a jogar com que me foi oferecido no meio do caminho, é que sinto que tive forças pro jogo de verdade.” Essa filosofia de aceitação e adaptação está presente não apenas na letra de ASVEIZ, mas em toda a sua abordagem para a vida e a música.

ASVEIZ e a construção de uma narrativa sonora única

O single é o ponto de partida para uma sequência de lançamentos que culminará no álbum de estreia de Mejê, previsto para 2025. Inspirado por influências como Isaiah Rashad, o artista mescla lo-fi hip hop com ritmos africanos, criando uma textura sonora que equilibra nostalgia e introspecção. “A produção foi feita como de costume, na toca do G-nyn. Mandei as referências necessárias e ele criou a base melódica do beat. A partir disso, fomos lapidando timbres e transições da música”, conta Mejê, detalhando o processo criativo colaborativo com o produtor Gnyn Beat. Ele também destacou o uso do ritmo Agerê, que foi inserido de forma sutil no pré-refrão, trazendo uma cadência que conecta o rap ao contexto afro-brasileiro.

A qualidade sonora foi lapidada ao longo de várias etapas de produção, desde as primeiras ideias até a masterização final. “Quando a música foi escolhida pra ser mixada pelos mentorandos do Pedro Peixoto, escolhi 1 entre 6 mixs que fizeram. Eu e o escolhido, Tiago Djordjevic, gastamos mais uns dias lapidando o som, pra então mandar pro mestre Peixoto masterizar. O resultado, sem dúvidas, foi o melhor que tive até agora”, celebra o artista.

A vitória que transcende o financeiro

No refrão de ASVEIZ, Mejê afirma repetidamente: “Sei que eu vou vencer”. Mas o que significa essa vitória? Para o MC, é muito mais do que sucesso financeiro, embora ele reconheça a importância desse aspecto. “Pra mim, essa vitória significa muitas coisas. Obviamente significa vencer dentro do meu trabalho, ou seja, ganhar bastante dinheiro”, comenta com um toque de humor. Contudo, Mejê destaca que seu verdadeiro objetivo é contribuir para o Hip Hop de maneira significativa, deixando um legado cultural. “Pretendo sim fazer dinheiro, mas a partir de um legado pertinente para o Hip Hop, em termos de sonoridade e cultura mesmo. Sou ambicioso ao ponto de pensar que posso enriquecer historicamente essa cultura que eu amo tanto, e de certa forma me eternizar na mistura dela.”

“Kung Fu Mejê” e o álbum da vida

Sobre o aguardado álbum de estreia, Mejê revela que será uma obra profundamente pessoal e quase teatral. “Já ouvimos muito isso, mas acho que descreve bem… primeiro álbum é o álbum da minha vida até ali, naquele momento”, diz. Ele promete explorar questões que nunca havia abordado antes, com batalhas internas e reflexões que moldaram sua trajetória. O artista brinca com a ideia de que o protagonista dessa história é uma espécie de “jovem guerreiro shaolin”, apresentando-se como “Kung Fu Mejê”, em uma analogia com a disciplina e o caminho árduo percorrido até aqui.

ASVEIZ é apenas o começo. O single revela um artista maduro, ciente de seus desafios e das oportunidades que se abrem em seu caminho. Com uma sonoridade inovadora e letras profundamente conectadas à sua própria trajetória, Mejê se prepara para consolidar seu espaço no cenário do rap nacional, deixando uma marca que, ele espera, será lembrada por muito tempo.

Para seguir acompanhando as movimentações do Mejê:

@mejezada

INSTAGRAM MEJÊ

por Gustavo Silva

Com uma trajetória na música, que já conta com o lançamento de ótimos singles e EPs de sua autoria, que já apresentaram algumas de suas características mais fortes para o público ao longo desses anos de caminhada, a artista ANABYA chega agora com a sua primeira mixtape “Andarilha do Tempo”.

Apresentando um trabalho consideravelmente maior do que os outros projetos já lançados pela artista, o lançamento dessa mixtape de 17 faixas traz um significado importante para ANABYA e para o seu momento na carreira, escolhendo esse formato de lançamento que aposta em um grande número de faixas que exploram diferentes vertentes e potências da sua arte nesse grande projeto.

“Persisti na criação desse projeto por uma necessidade de fortalecimento, porque como artista realizar uma obra é como se transformar, transmutar e resistir, sabendo que nosso corre muitas vezes não dá espaço pra criações livres e espontâneas, eu sabia que seria difícil realizar nesse momento, eu sabia que precisava fazer acontecer, porque eu tô contando minha história, gritando por justiça, abrindo minhas feridas, falando de afeto e pra isso tem que ter muita coragem também. Esse é o significado de caminhar pelos tempos, aprender o tempo todo com o medo e com a coragem pra que nossas verdades não sejam silenciadas. Sendo meu corpo, um corpo espiritual e coletivo, entende-se que, mesmo que eu esteja falando sobre mim, minha família, meu modo de ver o mundo, eu também tô falando de muita gente. A quantidade das faixas foi se formando durante o processo, e fui respeitando isso mesmo que o número fosse ficando grande. A princípio até estranhei, mas dentro da minha liberdade de expressão optei por construir dessa forma, porque é como senti que iria compor melhor todo esse momento de vida e carreira.” – ANABYA

Em “Andarilha do Tempo”, ANABYA traz destaque para os seus diferenciais artísticos, em especial a sua escrita, que foi apresentada nessas faixas de várias formas e com diferentes pesos. Em momentos, a artista traz uma escrita carregada de versos mais diretos, críticos e rasgados fortalecendo a sua imagem de MC. Por outras vezes, combina cantos suaves, refrões fortes e muita poesia junto à sua performance mais cantada, combinando diferentes facetas artísticas na hora de transmitir essas identidades para o papel e de lá criar as suas performances vocais.

“Eu sinto que é orgânico pra mim essas criações porque elas nascem de um lugar verdadeiro dentro de mim, que é a necessidade de pôr pra fora, de cantar daquele jeito, de expressar aquela sensação, e respeitando a ‘forma’ que saia porque durante esses momentos que tô criando, boto muita fé nas coisas que saem espontaneamente, acredito que é a alma, a criança, a essência falando. Então muitas das criações eu registrei só o canto, só o flow, ou só a escrita, e vou montando o quebra cabeça, em outros momentos vai tudo de uma vez, a levada e a melodia, enfim, nada dentro de um script, porque tamo falando de vida né? Assim como são muitos atravessamentos, sinto que preciso expressar de formas não idênticas ou similares, mas só do jeito que se é.” – ANABYA

Através da potência da sua caneta e do seu canto, essa mixtape narra temas essenciais de serem pautados, especialmente pelo meio cultural. Como andarilha do tempo, ANABYA fala sobre questões do passado e do presente, que estão impactando diretamente os dias de hoje e definindo a cada segundo o que será do nosso futuro. A artista aponta temas políticos e ancestrais com urgência, pautando sobrevivência, família, identidade, história, colonialismo, território, afetos, resistência e arte. Do amor à luta, os temas se encaixam em uma mesma busca por vida, direitos, conquistas e liberdade, explorando questões essenciais que também fazem parte da trajetória pessoal e artística de ANABYA.

“Esses temas só foram explorados porque vivi eles e me atravessaram de tal forma que precisei criar essa mixtape. O fato de ter passado a vida toda me mudando de casa e cidade com a minha família, procurando o melhor lugar pra ter o mínimo de dignidade, já é o suficiente pra entender os traumas, as dificuldades que ainda estão presentes, mas também as alegrias e de onde vem minha força. Quanto mais conto minha história mais percebo como é a história de muitus outrus e como tudo isso é parte de um plano colonial mesmo, de exterminar memória, cultura e bem viver. Mas a memória que tá nessas vivências, na oralidade de mainha, de voinha, das primas e tias, é o que venceu o etnocídio, eu viva e com coragem pra abrir meu peito artisticamente, é o que vence o pensamento colonial, e todas as vivências traumáticas. É um mix de dor e força.” – ANABYA

Esse grande projeto também contou com outras mãos, canetas e vozes para criar faixas impactantes com essa narrativa poderosa. ANABYA trouxe influências e parcerias nessa mixtape, que se encaixaram muito bem artisticamente, potencializando as temáticas apresentadas, assim como as performances artísticas de todos os envolvidos no trabalho.

“Houve uma relação de conexão e identificação em vida antes de ser uma colaboração pela colaboração, entende? Desde us artistas, produtoris até os cantoris/rappers, nos encontramos de maneira genuína, trocando nossas histórias, nossas vontades de gritar alguma coisa, ou até mesmo sussurrar, partiu de uma vivência partilhada, uma mútua admiração. E essas ‘escolhas’ foram bem orgânicas também, só acontecendo e a intuição guiando o resto. Eu sou muito grata a essa troca entre todes que fizeram parte (isso porque ainda estamos só falando da parte musical hahahaha) porque fui transformada nesses encontros e demais fortalecida.” – ANABYA

A ambientação sonora que envolve todas as faixas da mixtape é extremamente cativante, com um grande trabalho carregado de produções cheias de identidade com batidas fortes combinadas a elementos diversos ligados às raízes da artista e a diferentes gêneros musicais, repletos de referências e cantos indígenas, em faixas que vão do Trap ao Boombap, pro R&B, até uma pegada mais Pop mantendo uma forte originalidade em toda a mixtape, com sonoridades que criam um ambiente bem coeso, encaixando muito bem sonoramente todo o trabalho.

“A parceria com o Tiago [Polar] foi o que deu início a todo projeto, que inclusive achei que inicialmente seria algo só entre nós, mas como disse antes, as coisas foram acontecendo e eu sentindo e respeitando seu curso. Fui entendendo que seria algo maior e comecei a pensar nas pessoas que, de certa forma, falam minha língua nas produções. Alguns beats chegaram espontaneamente e eu sentia que era do projeto e ponto final hahahaha, outras eu fui solicitando diante daquilo que o coração pedia no momento. Foi uma construção muito gostosa, porque é uma delícia ter uma batida que contemple minha expressão, assim como é pra elus ter alguém que se envolve com suas criações tão genuinamente. Algumas faixas já existiam e não eram do projeto, mas eu entendi que se encaixava e que precisava tá ali compondo a obra.” – ANABYA

Com o lançamento do primeiro single que apresentou esse trabalho, ANABYA já trouxe um cuidado visual para a mixtape, através de um lindo clipe que explora também as suas práticas artísticas e conhecimentos enquanto atriz, agregando um novo valor e cuidado ao trabalho.

“Eu tenho muita sorte de ter próximo a mim, pessoas tão talentosas e coletivas, pessoas que pude me abrir e falar desse projeto com meu coração, e fui abraçada. Toda construção visual foi coletiva, com muita, mas muita conversa mesmo, porque manifestar visualmente tanta coisa assim é desafiador, mas apesar das dificuldades do caminho, me senti contemplada com o que realizamos. Na capa, tá ali expresso o resumo da obra, assim como os visualizers. O mini doc que vem depois da mixtape é uma proximidade com esse processo e dá uma dimensão mais íntima do projeto.” – ANABYA

A mixtape “Andarilha do Tempo” já está disponível nas principais plataformas de streaming.

“Eu queria relembrar os nomes das pessoas que se envolveram nesse trabalho, porque por trás desses nomes tem a vida de cada ume, a correria e a história, e que eu me sinto abençoada de ter tido a oportunidade de trocar e de tê-los agregando num projeto que aparenta ser ‘meu’ mas que depois disso tudo se torna nosso, e depois de lançado, mais nosso ainda. Tudo isso pra frisar que, absolutamente nada é feito individualmente, nem um nascimento, nem uma morte, nada. Precisamos o tempo todo de pessoas e isso não é vergonha, é a saída do beco que aparentemente não tem saída. Podem haver muros mas nós batemos asas e damos um jeito, e coletivamente isso é verdadeiramente possível. Awe aos ancestrais, cada um deles, awe todes andarilhus do tempo, awe à equipe Strads, awe aos ouvintes, awe à vida que se renova e resiste, awe às encantarias presentes em cada frase e batida desse projeto. é tudo nosso e o que não for nois retoma!” – ANABYA

Fotografias por:

@isakatupyryb (capa / contracapa)

@elizalvesss (analógicas / meio da matéria)

por Gustavo Silva

Vindo de uma atuação de anos nas batalhas de rima e cultura Hip-Hop em geral, com uma trajetória forte nesse meio artístico e musical, o artista Meionat, natural de Pouso Alegre (MG) e que atualmente reside em Ubatuba (SP), chega com o seu primeiro lançamento oficial, com o EP “Serra Pelada”, vivendo um momento de estreia na sua carreira artística e de suas primeiras experiências profissionais como MC.

“Tô confiante, sentindo um momento de novos ciclos e caminhos se abrindo. Antes de fazer Rap a gente já estuda ele como ouvinte, vai entendendo as rimas, os flows. O primeiro trampo de um artista é um pouco do que ele vem acumulando musicalmente e de vivências, ao mesmo tempo que a vontade é lançar cada vez mais coisas pra ir mostrando outros lados da minha identidade também. Aprendi demais produzindo esse EP, que tá no forno há um pouco mais de um ano. A cada sessão de estúdio fui ganhando mais noção e domínio vocal, vi que muita coisa pode mudar ao longo do processo e tive a oportunidade de trabalhar com vários profissionais diferentes, presencialmente e pela internet, o que me deu mais experiência de como funcionam os bastidores.” – Meionat

Meionat tem uma relação longa com a cultura Hip-Hop, e nessa estreia com um EP de 4 faixas o artista escolheu se aprofundar em uma sonoridade mais atual, que é o Drill, conectando conhecimentos e experiências ligadas às tradições e sonoridades clássicas da cultura, com a necessidade de evolução, renovação e continuidade dentro do Hip-Hop.

“Como agentes dessa cultura é nossa responsa se preocupar com o andamento dela. Toda nova geração é o futuro, e tudo o que vem rolando no Rap, no mercado musical já é uma realidade. Temos muito pra aprender com quem veio depois de nós, assim como com quem veio antes. E já que não é possível controlar as transformações do Rap, estar atualizado sobre elas é o melhor caminho pra gerar identificação e estar junto de quem também vai cuidar do Rap no futuro. O Drill é um gênero que conheci em 2017 com meu mano ADC Gordão e que escuto muito desde os primeiros episódios do Brasil Grime Show. Eu tinha alguns drills escritos e resolvi reunir eles. A escolha do estilo pro EP foi um jeito de chamar a atenção com uma estética mais moderna mas sem perder a essência, além de eu me identificar bastante com o conceito do Drill, até no BPM acelerado que conversa com a correria do dia-a-dia.” – Meionat

A produção desse EP é um grande destaque. O trabalho entregue nas batidas do Rvni e do H2 e scratches do DJ Mancha, com todo o toque do Ramiro Mart, criaram uma ambientação muito característica do Drill, com aquela sonoridade bem agressiva que conhecemos do gênero, criando um contexto perfeito para encaixar com os versos de Meionat e do H2.

“O H2 é meu parceiro há muitos anos. Um dia ele me mostrou o beat da faixa ‘Fatos São Só Fatos’ e eu chapei tanto que intimei ele na hora pra gente fazer um som. No dia seguinte cheguei no trampo dele com a letra pronta. As outras faixas eu tinha escrito em type beat então encomendei outro Drill com o H2. No meio dessa caminhada conheci o Rvni, que já tinha produzido um outro parceiro meu. Batemos as ideias na hora e já fechei as outras duas com ele. O Ramiro chegou na mix/master fechando com chave de ouro.” – Meionat

Mesmo focando o EP em uma sonoridade que tem sido muito presente no cenário nacional ultimamente, Meionat conseguiu trazer um som bem original, principalmente pelo trabalho de escrita, com canetas que representam vivências e referências muito ligadas à nossa identidade nacional, além de narrar de maneira bem pessoal as caminhadas de cada artista até aqui. Sendo seu trabalho de estreia, foi uma bela apresentação das suas características como MC, ao lado da participação do H2 que agregou muito valor e qualidade lírica ao trabalho.

“Nesse garimpo de vida

O ouro de tolo não é nada

Serra Pelada

Formigueiro humano, Morrendo e matando

Pra subir na escada

Serra Pelada”

Meionat – Serra Pelada

“O conteúdo é uma mistura de vivência com visão de mundo mesmo, meu processo de escrita é bem natural. Ter uma visão crítica te ajuda a pegar suas vivências e extrair um conteúdo pras letras. Vivência sem visão é básico, e visão sem vivência é descolado da realidade. Além da letra, sempre viajei muito na técnica. Jogo de palavra, rima interna, trocadilho, métrica, flow etc. Faz pelo menos seis anos que eu escuto Rap todo dia com um ouvido ativo, estudando as tracks e pensando porque algumas letras e batidas me tocavam ou prendiam a atenção e outras não, e assim fui lapidando a forma de fazer Rap que funciona melhor pra mim. Já o feat é de um irmão de vida mesmo, o H2, da minha cidade natal. Um artista foda, que conheço há uma cota e que vive o Rap todo dia também. Feliz de ter ele somando nesse EP.” – Natan

O EP “Serra Pelada” já está disponível nas principais plataformas de streaming.

“Quero agradecer geral que somou e soma na minha caminhada de alguma forma, e falar que é só o começo! Tenho várias influências na música, a ideia é explorar. Com respeito e humildade a gente chega lá.” – Meionat

por Gustavo Silva

Quem acompanha a trajetória da Killa Bi, sabe o potencial e o tom da caneta da MC, que sempre descarrega versos fortes e agressivos em suas linhas, empilhando barras do Boombap ao Drill, característica essa que destacou a atuação da MC e ampliou o seu reconhecimento pelo público em geral. Mas e que tal a Killa Bi pulando em uma lovesong?

Camadas de Killa Bi

É assim que ela chega em “APEGO”, faixa lançada com participação de Janvi, que marca a estreia pública de Killa Bi nessa sonoridade mais poética e melódica, mostrando que a versatilidade e qualidade da caneta e da voz da MC, vai muito além das rimas pesadas que estamos costumados a ouvir, criando muita poesia, e combinando diferentes tons em uma faixa profunda sobre nossas relações.

“Esse é o primeiro lovesong que eu lanço, trago melodias, canto e etc. Mas não é o primeiro que eu componho e gravo. Ando sentindo falta de falar sobre outros temas já faz mais de um ano, afinal a gente escreve e canta o que vive, seria impossível falar sobre o mesmo tema a vida toda. Está sendo libertador poder acessar esse espaço em mim. Sinto que estou conhecendo mais a fundo a Killa Bi, realizando trabalhos como esse. E quero apresentar todas essas camadas a quem me escuta.

A faixa nasceu de uma maneira bem espontânea, eu não pensei em falar sobre o tema apego, sobre o tema término de relação e nem sobre nada disso. Só depois dela pronta, que eu parei de tratar ela como uma faixa de bom refrão apenas, que eu dei a importância que ela merecia, inclusive pensei em lançar. Porque tem uma qualidade sonora, de fato eu gosto muito do que a gente fez ali, mas eu acho que é mais que isso, é o nosso inconsciente trabalhando também. Ouvindo depois eu fiquei feliz que eu tô pensando tudo isso, que eu tô falando sobre isso, que eu tô observando essas coisas, que eu sei o que eu não quero e tô descobrindo o que eu quero. É referente às relações, para além das relações afetivas, não perder essa individualidade, conseguir ser leal, conseguir estar junto e continuar sendo eu”. – Killa Bi

Killa sempre mostrou uma caneta bem pessoal, falando sobre seus corres e trajetórias, artísticas e pessoais, mas nesse trabalho ela traz algo ainda mais seu, falando de sentimentos e fragilidades, expondo outro lado seu para o seu público. Uma mudança de ares e temas na sua música, que reflete também o amadurecimento da sua caminhada pessoal e artística.

“Eu sentia falta de poder me mostrar frágil e vulnerável em minhas composições, pois é assim que me sinto muitas vezes. Comecei a compor sobre esses temas mais delicados e profundos na intenção apenas de não me afogar no meio de tanta água. Acredito que essa mudança de tema é comum na vida de uma compositora, pelo fato de que a gente vive mil coisas no dia a dia, e com certeza parte de toda vivência, vira música. Pretendo ser cada vez mais honesta e sincera com meus projetos. Sem me preocupar com tendências. Estou nesse momento questionando a forma como nos relacionamos, é um assunto que tá presente na minha vida, no agora, em rodas de amigos, mesa de bar, na minha casa e enfim, naturalmente vira música os temas do cotidiano. Acredito que esse tema ‘relação’ seja um tema universal, todos nós nos relacionamos. Independente de quem somos, de onde viemos, do nosso gênero, nós nos relacionamos. Seja com familiar, seja com amigo, colegas de profissão, ou relacionamentos afetivos.

Eu acho que o romantismo, que é colocado em volta de todas as relações, prejudica muito nós como pessoas, como individual, acho que a gente vive num loop de agradar, de suprir as expectativas de outra pessoa e acaba se deixando de lado. O ‘APEGO’ fala mais sobre a relação afetiva que é essa confusão que o romantismo traz pra gente, de achar que essa é a forma certa de amar, que é assim que se ama e nos afasta de nós mesmos. Eu quero tá bem juntinho de mim, se for pra tá apegada a alguém ou em alguma coisa que seja a mim mesma.” – Killa Bi

Combinando vozes com Janvi

Além da grande performance de Killa, esse som traz também a ótima presença da Janvi, que apresenta um outro tom sonoro para a faixa, criando uma linda combinação de vozes, equilibrando um tom mais grave com uma sonoridade mais aguda, e com uma caneta bem direta sem perder o lado poético da faixa, que rendeu uma ótima conexão e entrega entre as artistas.

“Encontrar Janvi foi um presente. Na nossa primeira sessão de estúdio nasceu uma música, e com esse mesmo tema, esse mesmo universo. Janvi fala sobre absolutamente tudo de maneira muito poética, sincera e contagiante. A energia e bom humor sagitariano de Janvi, com certeza combina muito comigo. Essa faixa foi a terceira que fizemos, e flui como as outras duas também. Ouvindo o beat no repeat, conversando sobre a vida, até que nasce a primeira frase, ou a primeira linha de melodia e daí só flui. Janvi é livre demais, pra criar, mudar e fazer de novo. Gosto muito desse desapego artístico, me potencializa muito ver ela criar. E daí tem o lance da voz, que foi isso, combinou muito com meu timbre. Ficou simplesmente muito fácil criar refrão, rs. E meu grave com o agudo de Janvi, é lindo. Vocês precisam ouvir.” – Killa Bi

Além da escrita e entrega vocal das artistas, que nos leva para um contexto mais introspectivo e sentimental, a produção da faixa chegou muito bem cadenciada, combinando elementos sonoros diversos, com batidas marcantes que ampliam e nos levam ainda mais para esse ambiente melódico e poético proposto pelo som, que encaixa muito bem com as performances de Killa e Janvi.

“A produção musical foi feita pelo gad, um amigo nosso e beatmaker, de São José dos Campos, ele faz parte do coletivo Viva Sua Revolução, onde tem vários artistas importantes pra cena underground do Vale. Janvi tava com esse beat mocado no drive dela, numa sessão aqui em casa, ouvindo várias coisas, a gente chegou nele. Tocou uma vez e depois não tocou mais nada. A gente não precisou nem mapear o beat, do jeito que tava, gravamos e botamos pra andar. Gad acertou muito. Depois enviamos pro Ramiro mixar e masterizar o que gravamos. Mandei aquela referência de volumes, uns três áudios de dois minutos explicando a proposta do som e fé! Assim nasce ‘APEGO’.”

As cores do APEGO

Mantendo a atenção e o cuidado audiovisual com seus trabalhos, como feito nos seus últimos lançamentos, Killa Bi traz para “APEGO” uma relação visual fortemente ligada com a temática do som.

“A parte visual desse single vem um pouco diferente do que vinha trazendo. Eu queria ir de acordo com o som, e tratar das imagens de maneira mais introspectiva e simples. Optei pelo preto e branco, porque acredito que o sentimento ‘apego’ deixa as coisas meio assim, binárias, duais, limitadas, com pouca variedade de cor. Bruno Cons passou uns dias comigo, conversando sobre o single e captando imagens do cotidiano. Minha ideia era trazer a música pra perto de nós. Queria mostrar movimentações do dia a dia, de pessoas simples, pessoas reais, assim como nós. Pessoas que amam, erram, acertam, começam, terminam, se apegam, choram, machucam, destrói, constrói, pessoas que são pessoas e só. Não queria uma performance pra câmera, nem uma ‘atuação’ ou algo do tipo. Eu queria algo simples como se apegar. Preto e branco como é estar apegado. Escolher a capa foi fácil, tava visitando as fotos do Vini Gon, e vi aquela mão contra o vidro, me deu uma sensação de estar presa, e eu pensei, essa é a capa de ‘APEGO’. Falei com o Vini e fizemos da foto a capa. Resolvi não colocar nem o nome da faixa na capa. Só a foto e pronto. Quero te chamar pra pensar sobre, quero que você crie sua maneira de pensar sobre esse assunto. Quero que interprete à sua maneira, a minha dor, a minha exposição ou falta dela.

A faixa “APEGO” de Killa Bi e Janvi, já está disponível nas principais plataformas de streaming, e o clipe pode ser conferido no canal da Killa Bi, no YouTube.

“‘APEGO’ fala sobre muita coisa, sobre as expectativas que nós mesmos nos colocamos. Muitas das coisas faladas ali é pra mim mesma, é uma armadilha que qualquer um pode cair, tem que estar atenta, ligeira e disposta a falar sobre, a cutucar as feridas e lamber depois. Não é nem um pouco confortável entender o que é o apego, o que isso traz de bom e de ruim, porque é tão difícil lidar com certas coisas quando ele está presente. Viver no apego é dar margem pra um monte de coisa que não é daora pra nós, não é saudável, e não é nosso. São pensamentos e culturas colonizadoras que nasceram com o grande intuito de controlar a nós. Principalmente corpos racializades.” – Killa Bi

por Gustavo Silva

Fazendo a ligação entre o interior e a capital de Minas Gerais, Souzera e Meninsk são, respectivamente, um MC e um Beatmaker com uma trajetória crescente no cenário nacional. 

Enquanto Souzera encontrou nas linhas do Rap o veículo para se expressar, com vários trabalhos lançados, em especial, nas batidas clássicas do Boombap, Meninsk descobriu sua arte nas batidas, atuando como beatmaker e produtor musical pela Catioros Records, selo musical independente de Belo Horizonte. Os artistas não tinham exatamente uma caminhada conjunta, mas tiveram suas trajetórias atravessadas por parceiros em comum, que oportunizaram o nascimento deste projeto onde os artistas se encaixam muito bem entre versos e batidas, em um trabalho que mostra muita sintonia.

“Essa aproximação com o Meninsk aconteceu por uma ponte através do Noturno84 lá de São Paulo, um produtor que participou da mixtape ‘Diáspora’ da Catioros Records. Eu já tinha feito alguns trampos com o Noturno e a partir desse disco comecei a acompanhar o Meninsk, a Catioros, e por ele ser beatmaker eu já tinha esse interesse, achava muito foda as batidas dele, do Boombap, eu curto muito produtores que focam no Boombap. No ano passado eu ouvi esse beat de Lo-Fi em um stories dele e já peguei o beat na hora, tinha uma letra que ia encaixar perfeitamente na minha visão, claro que rolaram alguns ajustes, mas assim nasceu a ‘Devagar e Sempre’.

Em “Devagar e Sempre”, Souzera apresenta alguém que está sempre em movimento, sem pressa, correndo atrás do que acredita, movido pela poesia, em busca de viver do seu sonho, com uma caneta muito potencializada pelo beat Lo-Fi, de Meninsk, que prepara o terreno para a poética faixa. A simplicidade técnica, somando poucos elementos na melodia e batida, ilustram o conceito nostálgico e reflexivo da faixa, aprofundado na lírica intimista do MC. A bateria característica do Lo-Fi, com timbres de caixa, bumbo e pratos em baixa fidelidade, se mistura à uma insistente linha de um piano ébrio e um sax oportuno e aconchegante. Se a letra trata de uma reflexão matutina, a batida ambienta essa estética nostálgica de pensar o ontem no nascimento de um novo dia.

Alguns meses depois eu adquiri outro beat com ele que deu origem à ‘Fino e Elegante’, um Boombap cabuloso, que me trouxe a palavra ‘elegância’ na mente assim que eu ouvi esse som pela primeira vez, um beat realmente elegante. A minha ideia era soltar “Fino e Elegante” no ano que vem, nem estava com a ideia de gravar as vozes esse ano. Aí eu dei ideia no Meninsk, falei que ia lançar esse som Lo-Fi com ele, mas o orçamento final do lançamento que estávamos planejando ficou muito pesado, foi aí que o Meninsk me apresentou os caras da Strads, o Spuri, que fechou esse projeto com a gente, e nos deu a ideia de fazer esse lançamento como um double single com as faixas: ‘Fino e Elegante’ e ‘Devagar e Sempre’”. – Souzera

Em “Fino e Elegante”, Souzera destaca a importância da palavra como forma de instigar o ouvinte, fazendo o uso de trocadilhos para enaltecer o lado boêmio e satírico. Na batida, Meninsk nos leva em uma viagem pela sonoridade mais clássica do Rap, com um beat de Boombap rico de elementos diversos, que ambientaliza muito bem com os versos mais secos de Souzera.

Um grande destaque desses lançamentos que chama muito a atenção é a versatilidade da escrita do Souzera, que traz em um single versos mais poéticos e pessoais, e na outra faixa já transmite uma ideia mais direta, com flow mais agressivo e uma caneta carregada de ideias, que mostra muito das suas características como cria das batalhas de rima, trabalhando muita versatilidade nos versos.

Souzera – Fino e Elegante

“Eu tava com a letra de ‘Fino e Elegante’ mais ou menos pronta antes de pegar o beat, com essa ideia mais positiva mesmo, que encaixou demais com essa batida. A ideia principal realmente era fazer uma escrita mais alegre, mas eu sempre gostei muito de escrever com trocadilhos, jogo de palavras, metáfora, alguma ironia e tentei passar isso na letra, um pouco de boemia, numa pegada mais largada, representando o fino e o elegante. Eu sempre procurei não fazer a mesma coisa, tentar fugir da zona de conforto na minha escrita. Então tem sons que de cara já vão transmitir o que eu quero passar na letra, seja revolta, seja tristeza, seja amor, vai ter essa característica. Ao mesmo tempo acho que tem uma semelhança entre todos eles” – Souzera

As produções do Meninsk são outro destaque desses lançamentos, hora criando uma perfeita ambientação Lo-Fi, hora retornando às sonoridades clássicas do Rap com o Boombap, em produções com elementos diversos que ambientalizam muito bem com os versos do MC, reforçado suas próprias características mais ligadas à essa sonoridade clássica do Rap, demonstrando a ótima coesão entre os artistas, mesmo que o projeto não tenha sido pensado e construído em conjunto desde o princípio, mas que apresenta muito bem a identidade de ambos. “Esse projeto não foi intencional, planejado desde o início, foi algo construído ao longo do tempo e acabou que realmente casaram demais as ideias, nos dois sons, seja na batida, seja na letra, seja nas capas que o Spuri desembolou, até nos nomes das faixas, encaixaram certinho como um projeto único” – Souzera

Souzera – Devagar e Sempre

Na parte visual, os artistas contaram com o toque do Spurimaker, que trabalhou técnicas de colagens a partir de samples de discos clássicos para buscar novas referências que dialogassem bem com os projetos sonoros apresentados por Souzera e Meninsk nesse double single. “Eu busquei sair do óbvio, da questão das referências que grande parte da galera faz. Em um primeiro momento eu tentei seguir um processo de pegar elementos citados na música pra usar como referências da capa, mas o processo de construção que eu já tenho não é tão desse lado, sou mais focado em fazer outro fundamento e buscar coisas não tão óbvias. Nisso eu comecei a fazer uma pesquisa dos encartes dos discos que eu tenho na minha coleção e fiz um estudo com base na nomenclatura em si e no que as músicas traziam.

A capa de ‘Fino e Elegante’ veio de um álbum do Stevie Wonder, que eu peguei um recorte pequeno da capa, aumentei ela, coloquei uma tarja japonesa e fiz um tratamento de cor. Essa capa eu escolhi, porque nela o Stevie Wonder tá bem estiloso, com um terno, óculos, bem no estilo fino e elegante de fato, e a musicalidade que tem nesse disco também é bem elegante de se ouvir, então eu busquei trazer essa semelhança, esse easter egg, essa ligação, não exatamente do que ele está dizendo na letra da música, mas o que propõe o título da música e o que carrega o significante dela. O recorte da capa que eu usei foi do encarte do disco, de uma cortina, que eu entendo que traz essa coisa elegante, com a cor que eu coloquei também, trouxe uma pincelada mais óbvia mas com o significado nessa entrelinha sampleada da capa do Stevie Wonder.

A capa de ‘Devagar e Sempre’ eu usei a contracapa de um vinil que é uma coletânea gringa que são clássicos da música americana, com esse carro e essa árvore, mas condiz com o conteúdo do disco, pela questão de usar o ‘sempre’ como clássicos que vão tocar pra sempre, esse disco traz isso, são músicas que foram feitas há 40 anos atrás e tocam até hoje e sem essa pressa que a gente vê nos streamings, de lançar uma música, depois outra, depois outra, então o ‘devagar’ vem nesse sentido, músicas que foram produzidas sem essa ânsia (devagar) e tocam até hoje (sempre). E tem uma outra ligação que é com o carro antigo, que corre muito, não é lento, mas tem uma simbologia de ligação com Cuba, onde o progresso anda mais devagar mas ao mesmo tempo tem carros que eles usam que estão novos e são modelos antigos, que não fazem parte da indústria automobilística atual. Então esse ‘devagar e sempre’ é mais nesse intuito das músicas antigas da coletânea e do símbolo do carro, que mostra um progresso devagar mas duradouro” – Spurimaker

O double single “Devagar e Sempre” e “Fino e Elegante” de Souzera e Meninsk já está disponível nas principais plataformas de streaming.

por Gustavo Silva

Vindo diretamente da capital de São Paulo, Jo.Zê é um artista com um trajetória no Rap que vem sendo construída junto ao público desde 2018, contando com lançamentos de alguns singles e um EP. Cinco anos após iniciar sua caminhada artística, o MC chega com um novo lançamento que promete apresentar uma nova proposta de lírica e sonoridade ao seu público com o single “Toda Palavra”.

“Eu gosto de explorar a minha criatividade e quando o instrumental me permite eu gosto de brincar com as métricas e com o verso. Nessa eu vim mais despojado porque eu venho de um lugar que o beat dá o tom da música e a criatividade fica livre pra ir pelos lugares que quiser. Por isso eu falo um pouco de tudo nessas rimas: lucro, sexo, ódio à burguesia, meu amor e outras coisas mais. Na hora de gravar me vem os adlibs e eles são parte da cara do som, além de ter a ajuda do meu mano André Papi na mixagem que aplicou alguns efeitos que também fazem a música ter essa cara” – Jo.Zê

Conhecido por pautar temas diversos como relacionamentos, negritude e vivência favelada, em seu novo single Jo.Zê busca trabalhar com uma nova abordagem sonora e de escrita, que o artista pretende dar sequência e desenvolver cada vez mais para a sua trajetória musical a partir desse lançamento.

“Eu pretendo continuar buscando novos caminhos pra minha criatividade na lírica e pra minha musicalidade. Eu gosto de pensar que eu sou tão musicista quanto alguém que toca um violoncelo ou tão articulado quanto alguém que dança. A técnica de um musicista tá presente na minha arte como a organicidade também tá. Com o flow que eu lanço meus passinho e faço a música ganhar movimento e balanço – e vou continuar com esse jeito enquanto eu tiver o que falar, com a forma que eu quiser falar.”  – Jo.Zê

A sua escrita e flow nesse single chamam muito a atenção e são alguns dos pontos mais fortes do lançamento, mostrando as características do seu Rap já conhecidas pelo seu público, mas trazendo novos elementos para a sua performance lírica e vocal, que apontam para uma evolução na sua forma de criar. Em “Toda Palavra”, Jo.Zê destaca que não se baseou em grandes referências musicais para criar o single, pelo contrário, ele buscou criar algo completamente novo, sem influências ou pontos de referência preestabelecidos, desafiando as convenções e oferecendo um som fresco e autêntico, com a intenção de atrair uma audiência mais ampla e, ao mesmo tempo, fortalecer os laços com seu público já existente.

“Todo silêncio é pra aprender

Quando falar, cê vai entender

Toda palavra é pra lavar”

Jo.Zê – Toda Palavra

“O instrumental dá o tom que eu sigo e exploro com minha criatividade. Eu escuto o beat inúmeras vezes antes e durante o processo criativo, pra torná-lo parte de mim como minha própria respiração e conhecer cada elemento e viradinha que possa ter dentro dele. Tendo ele mapeado na minha cabeça eu tento aproveitar os elementos e timbres que estão intrínsecos e o meu flow vem muito disso. Já a lírica veio mais solta, sem muitas amarras temáticas até chegar o refrão. O refrão tem um tema que eu já tentei trabalhar muitas vezes até chegar nesse resultado que se ouve na faixa. ‘Palavra pra lavar’ é um jogo de palavra que permeia meus cadernos e blocos de notas há um bom tempo. Mas no verso eu falei o que senti vontade de falar, sendo malicioso em alguns momentos, sarcástico em outros e assim se deu a música.” – Jo.Zê

A produção desse single também é um grande destaque, com seu irmão JKN Beats trazendo instrumentais muito bem trabalhados que se encaixam muito bem com a escrita e entrega vocal de Jo.Zê no som, contando também com o trabalho de André Papi na mixagem, Silas Machado na captação e Slim Rimografia na masterização.

“Esse beat veio na mesma leva que alguns beats do meu EP ‘Linhas, vozes & arranjos’. Meu irmão, JKN Beats, produziu o beat e me mandou pelo WhatsApp e eu deixei ele no gelo por causa do processo do EP, mas desde que eu ouvi pela primeira vez sabia que tinha algo de diferente nele e por mais que ele não tivesse dentro da proposta do EP, ele merecia um espaço especial, por isso eu pensei nele como single. Eu percebo já uma identidade no trabalho que meu irmão faz e, às vezes, ele explora mais outros lados dessa identidade e é muito louco ver o progresso dele, porque eu não imaginava que meu irmãozinho (irmão de sangue mesmo) se tornaria produtor e dos brabos.” – Jo.Zê

Com assinatura de João Gabriel, a identidade visual deste projeto é marcada pelas cores azul bebê e verde musgo/militar, que refletem a singularidade da música e seu conceito. O single “Toda Palavra” já está disponível nas principais plataformas de streaming. Acompanhe o Jo.Zê nas redes sociais para conferir todos os seus lançamentos que estão vindo aí para o próximo ano!

“Quem gosta do meu som vai ter overdose sonora ano que vem, tem single e mixtapes a caminho!” – Jo.Zê

por Gustavo Silva

A cultura Hip-Hop é permeada ao longo da sua história por inúmeros grupos de enorme importância para a evolução e perpetuação da cultura através da união de grandes MCs, DJs, produtores, beatmakers, dançarinos e artistas visuais criando e produzindo juntos em prol de uma mesma essência e movimento cultural.

As formações de grupos de Rap são capazes de elevar o máximo potencial de cada membro, destacando suas particularidades e fortalecendo sua conexão através de um pensamento e atuação criativa coletiva.

Família brasileira

No Hip-Hop, o Brasil foi e segue sendo um solo efervescente para o surgimento de grandes grupos de Rap, tidos por muitos como os mais relevantes de toda a cultura por seu impacto dentro e fora da música.

Hoje falamos por aqui de alguns nomes que fazem e seguem fazendo parte da formação de grandes exemplos dessa construção coletiva, como Matéria Prima, que fez parte das formações de grupos clássicos como Quinto Andar e Subsolo ao lado de outras relíquias do cenário nacional. Mais tarde, em 2017, a dinâmica do trabalho em família voltou para a trajetória de Matéria Prima, quando se viu ao lado de outros dois grandes expoentes da cultura nacional: Ramiro Mart e Goribeatzz, que juntos, deram surgimento a um novo e revigorante grupo de Rap: o Tetriz.

Hoje, o trio conta com 4 álbuns lançados em uma dinâmica que trabalha as canetas afiadas de Matéria e Ramiro, nas produções únicas de Gori, em uma estética sonora que abusa da identificação com tecnologias e jogos, produzindo algo totalmente original e carregado de identidade até hoje. Por essas e outras, que ver os nomes desses artistas juntos em um projeto, é capaz de despertar a empolgação ou no mínimo o interesse de qualquer amante desta cultura.

Outra fase

Com o último álbum de estúdio lançado em 2021, o Tetriz buscava retornar com um novo projeto em 2023, mas as ideias iniciais tiveram de ser remanejadas com o nascimento do filho do Ramiro, que requer a merecida atenção do artista, impossibilitando um foco completo em um projeto neste momento.

Assim, Matéria Prima assumiu a caneta que, alinhada às produções do Gori, à sempre presente participação de Ramiro e aos visuais de Leandro Lassmar, que assinou as capas de todos os projetos do grupo, deu nascimento ao álbum “No Intervalo do Fim”, um trabalho autoral de Matéria Prima e Goribeatzz com todo o espírito do Tetriz.

“Primeiramente, queria agradecer o espaço e a pesquisa que vocês fazem do Rap fora do radar! Curiosidade: esse disco começou a ser feito antes do EP que eu fiz com o Imane Rane, “De Manhã”. Eu comecei a escrever inicialmente pra ser um projeto do Tetriz, por isso o Lassmar é uma parte do projeto, sem dúvida, ele é o quarto membro do Tetriz. Além de fazer as capas pros nossos discos, foi ele que fez o beat pra esse som aqui. Mas o Ramiro Mart, o outro MC do projeto, teve um filho e aí não podia dividir sua atenção com o trampo. Daí o fluxo das ideias tava favorável e eu deixei a caneta levar. A gente ainda esperou um pouco pra ver se o Ramiro conseguia chegar, mas aí não deu hehehe. Na real, respondendo sua pergunta, esse trabalho devia se chamar Tetriz apresenta: Matéria Prima!” – Matéria Prima

Entre parcerias, canetas e batidas

Mais uma vez, com Matéria Prima e Gori fechando um trabalho juntos, de canetas e batidas que se combinam e potencializam ao longo das 11 faixas, o álbum é carregado de produções que destacam muito bem o Boombap, criando ambientes sonoros que remetem aos Raps clássicos do Tetriz, mas também combinam e se apropriam de sonoridades atuais, como já é característica da sonoridade do grupo, em mais um acerto para a biblioteca de produções que o Gori nos entregou ao longo da sua trajetória como produtor, assim como as exemplares canetadas do Matéria que seguem trazendo sempre um diferencial para a atuação do MC.

“Eu, Gori e Ramiro temos uma química muito boa, mas na pandemia a gente deu uma afastada e nesse ano voltou a pensar numa possibilidade de fazer mais um disco. Daí o Gori mandou uma tonelada de beats e a gente começou a pescar. Lembro que a primeira linha que saiu quando a gente decidiu fazer o trampo foi a da música “É de Lei”: “1, 2, 1, 2, teste, teste…”. E aí a caneta foi chamando, e como eu e Ramiro dividimos os versos, fiquei ali no aguardo. Mas como ele teve a cria e tava muito ocupado, eu chamei a responsa de fazer o trampo e não deixar morrer. Fora isso, eu já tinha dois sons feitos na pandemia: “Pra Onde Vou” (com a nabru e a 1LUM3) e o “Acendendo a Chama” (com o Gato Congelado e o DJ Mako). Então já tinha começado ali. Eu meio que fiz o “De Manhã” e o “Intervalo” juntos. E o Gori tem uma pesquisa e ousadia pra fazer os beats que instigam minha escrita desde sempre” – Matéria Prima

“Meu nome é Matéria Prima

Minha vida é uma delícia

Meu filho me orgulha

Tenho trauma de polícia”

Matéria Prima –  Meu Nome É

Mantendo algumas características do seu último trabalho, neste novo lançamento, Matéria trouxe na caneta poderosos refrões e versos, combinando suas visões sobre arte e suas finalidades, sobre sua trajetória, sobre fazer Rap, sobre suas relações, obstáculos e conquistas ao longo desse caminho e também sobre Brasil.

“Os beats do Gori foram puxando os assuntos. Tinha algumas coisas que já tinha escrito e outras que pediram atenção no processo. E uma coisa que sempre tento fazer é trazer um elemento que se destaca de tudo o que é feito nos meus trabalhos. Eu tento trazer um pouco mais de irreverência pro trabalho. A gente vai envelhecendo e vê que tem muito tempo pra ficar sério depois de morrer, como disse um ator numa peça que vi há uns anos atrás, e é um desafio porque meus trabalhos sempre foram muito introspectivos, ainda que virar essa chave seja um processo natural. E os discos vão se organizando ao longo do processo. E como todo bom disco, a intro é a última coisa a ser feita. É parecido com o processo de passagem de som num festival: a última banda a tocar chega mais cedo no dia e testa o som primeiro” – Matéria Prima

Além da família Tetriz, esse álbum traz feats de muito peso que engrandecem o trabalho como um todo, através de nomes como nabru, 1LUM3, Gato Congelado e DJ Mako, escolhas de grande importância que são nomes que também já fazem parte da trajetória do Matéria Prima.

“Como tinha dito antes, duas faixas já tavam prontas, mas ainda não tinha certeza se iam fazer parte dum projeto ou se iam ser lançadas como singles. O tempo foi passando e os sons ali guardados pra entender o processo. Eu, Gato e Mako já tínhamos um trampo que vem da época do Quinto Andar e do Subsolo. nabru e 1LUM3 eu conheci em 2018, e tivemos a chance de trabalhar no meu disco “VISÃO”, de 2020, produzido por niLL, O Adotado. Essas parcerias vão sempre ter um espaço no meu trampo quando o trampo tiver a ver com o trabalho delas também, ou se sentirem confortáveis com a proposta. Além disso, todo mundo é parça hehehe!!” – Matéria Prima

Produtividade x Produto

Além de despertar a atenção para a alta qualidade desses artistas individualmente, a união da família Tetriz nos faz refletir também sobre o momento de alta produtividade vivida por cada um. Esse álbum vem na sequência do EP “De Manhã”, do Matéria, que saiu em julho; enquanto o Gori vem na sequência de outro trabalho lançado no início do ano; e Ramiro como sempre trampando em tudo.

Acompanhando esse projeto, podemos refletir sobre como os artistas sentem a produtividade nesse embate entre lançar novos projetos como resultado da sua criatividade, atendendo à sua vontade artística individual, mas também atendendo a uma necessidade mercadológica, que obriga uma alta presença e produtividade artística, alimentada pela lógica industrial das redes sociais e plataformas de streaming.

“Olha, é complexo: existe uma vontade de fazer muitos trabalhos sem que ele precise das formas de engajamento pra chegar até o ouvinte, de forma orgânica, dando mais ênfase à música. Por outro, tem que fazer valer o suor e tentar se alinhar às exigências mínimas de mercado. Mas tudo depende de estratégia, grana e parcerias. Eu tenho o talento e a sorte de ter a ajuda de alguns amigos como o RR (que inclusive lançou um trampo chamado Parresia esse ano), que faz umas peças gráficas e vídeos pro insta, as incríveis resenhas do meu mano Danilo Cruz do site Oganpazan e a força do meu mano Rômulo Spuri, do Selo Strads, que me ajuda no impulsionamento e nas burocracias do estranho mundo da música hehehe! Mas a grana pra assessoria e outras ferramentas é mais difícil. Vai das escolhas que a gente faz também: entre ser produto e ser produtivo. Não tenho muita escolha além de ser mais produtivo do que ser produto. Tem uma diferença… mas sigo procurando um equilíbrio” – Matéria Prima

O álbum “No Intervalo do Fim” já está disponível nas principais plataformas de streaming. Continuem acompanhando os artistas Matéria Prima, Goribeatzz e o próprio Tetriz nas redes e plataformas para não perderem grandes lançamentos desses nomes históricos para a nossa cultura Hip-Hop.

“Obrigado mais uma vez pelo espaço! E ouçam “No Intervalo do Fim”! Ouçam “De Manhã”! Ouçam Matéria Prima! Sigam no Instagram e Spotify! Paz!” – Matéria Prima

CLIQUE AQUI PARA OUVIR